Éclairage de photographie de produit et meilleures pratiques

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Cet article couvre les concepts de base de l’éclairage de photographie de produit et discute des meilleures pratiques qui perfectionneront votre métier et rendront des photos percutantes et bien éclairées de vos produits que les clients trouveront irrésistibles.

De nombreuses personnes reviennent aux racines économiques de l’Amérique dans l’innovation et la fabrication en fabriquant et en créant des œuvres d’art ou des articles à vendre, soit dans de petites entreprises, soit dans des garages, des ateliers ou des espaces de fabrication locaux. Le mouvement moderne «Maker» balaie le pays et les fabricants locaux mettent leurs produits en vente sur des sites Web personnels ou sur des sites comme Etsy et eBay. Chacune de ces listes nécessite une photographie de produit convaincante pour attirer l’attention des clients potentiels. Alors que toute personne possédant un smartphone peut prendre un instantané de son dernier produit, ces photos proviennent d’une plate-forme d’appareil photo limitée et sont tout simplement limitées; ils n’auront jamais le même «punch» qu’une photo de produit appropriée créée avec un appareil photo reflex dans un studio avec un éclairage hors caméra. Alors, Comment créer une photo de produit qui incitera les clients à acheter votre dernière, dernière et meilleure invention? La réponse courte est que tout est question d’éclairage. Cet article présente les concepts de base de l’éclairage de photographie de produits et discute des meilleures pratiques qui perfectionneront votre métier et rendront des photos percutantes et bien éclairées de vos produits que les clients trouveront irrésistibles.

Qu’est-ce que la photographie de produits? Comprendre l’éclairage et un examen des bases de l’éclairage

La photographie de produits est un sous-ensemble de la photographie de studio dans lequel les techniques d’éclairage et d’affichage sont soigneusement développées avec un seul objectif: créer des photos qui offrent à votre produit littéralement le meilleur éclairage possible afin que vous puissiez convertir les lèche-vitrines en lecteurs de cartes de crédit.

Terminologie et bases de l’éclairage

L’éclairage de studio se compose essentiellement de lumières «Key», de lumières «Fill» et de lumières «Back». La lumière principale est la principale source de lumière, généralement hors axe de l’appareil photo, qui est dirigée directement vers le produit (ou le sujet). La lumière d’appoint est une lumière secondaire, souvent de faible intensité (cela peut signifier un volume de lumière plus faible ou une lumière placée plus loin) sur le côté opposé de la caméra à la lumière principale. Le contre-jour est une lumière placée derrière (ou derrière et au-dessus) du sujet, pour mieux définir le sujet depuis l’arrière-plan. Un photographe peut même ajouter une lumière d’arrière-plan, pointée vers l’arrière-plan, pour dessiner (façonner) une lumière ou une texture sur l’arrière-plan afin de mieux faire ressortir le sujet, si l’arrière-plan fait partie du résultat souhaité.

Configuration simple à 4 lumières avec des lumières de touche, de remplissage, de fond / arrière et d’arrière-plan placées autour d’un objet sur un fond blanc.

Arrière-plans pour la photographie de produits

Dans la photographie de produits, les tireurs veulent souvent «découper» l’objet de l’arrière-plan afin qu’il puisse être placé sur le blanc pur (ou n’importe quelle couleur désirée) d’une page de site Web. Si tel est le résultat final souhaité, ajouter une lumière d’arrière-plan à une table blanche, une toile de fond transparente ou une tente lumineuse de table fera exploser le fond blanc en blanc pur, ce qui facilite la découpe de l’objet et la livraison d’un fichier PNG avec transparence autour de lui. Tous les produits n’ont pas l’air bien sur le blanc, vous pouvez donc utiliser une toile de fond en papier d’une couleur différente, ou envisager de filmer un produit dans un cadre créatif – le choix est de savoir quelle scène vendra le mieux votre produit, combinée à ce que vous livrable. (ou votre graphiste / webmaster) désir.

Le look «sol mouillé» rendu populaire par Apple est également une technique courante. Cela peut être réalisé dans Photoshop ou en photographiant des objets placés sur un substrat réfléchissant, tel que du plexiglas.

Image reproduite avec l’aimable autorisation du photographe commercial et gaffer Michael Okimoto basé à Reno .

Positions d’éclairage pour la photographie de produits

Le placement de la lumière est une décision critique qu’un photographe prend après avoir mis en place la scène / l’arrière-plan. Où seront placées les lumières de touche et de remplissage? Quel sera l’impact de ce placement sur le dessin des ombres et des reflets sur le produit?

C’est le domaine de la photographie de produits où l’expérience compte, donc pour ceux sans expérience, des essais et des erreurs – et de la patience – sont nécessaires pour déterminer les meilleurs résultats à partir de différents placements de lumière.

Éclairage continu ou stroboscopique

La discussion sur l’éclairage de studio devrait inclure un examen des différences fondamentales entre l’éclairage continu et l’éclairage stroboscopique. Les lumières continues, ou «lumières chaudes», qui sont allumées ou éteintes sont une solution incontournable pour ceux qui débutent tout juste la photographie de produits. Des exemples de solutions d’éclairage continu sont les panneaux LED, les tubes fluorescents à vapeur de mercure ou les ampoules incandescentes au tungstène. Certains d’entre eux proposent des gradateurs, d’autres non. Pendant qu’ils baignent un studio avec une lumière uniforme et constante, ils n’en éteignent pas beaucoup.

Les lumières stroboscopiques ou «flashs» sont des tubes à vapeur de xénon avec des condensateurs haute tension capables de libérer des rafales instantanées de lumière plusieurs dizaines de milliers de fois plus puissantes que les lumières continues, mais en une fraction de seconde seulement. En raison du volume limité des lumières continues, vous ne pouvez pas aussi facilement geler l’action avec eux que vous le pouvez avec des stroboscopes. Cela signifie que vous devez utiliser des vitesses d’obturation plus lentes que vous ne le souhaiteriez pour obtenir l’exposition correcte – vous devez faire glisser l’obturateur pour laisser suffisamment de temps pour que suffisamment de lumière s’accumule au capteur de l’appareil photo. Cela exclut l’éclairage continu pour la plupart des prises de vue impliquant des objets en mouvement lorsque le photographe désire une image nette et focalisée; pour les produits immobiles, ce n’est pas un facteur décisif. Les lumières continues peuvent également être plus difficiles à régler, bien que le kit studio photo avec gradateurs aient rendu cela plus facile qu’auparavant avec des lampes à incandescence ou fluorescentes. Avec les stroboscopes, on peut régler l’intensité de la lumière vers le bas ou vers le haut par incréments de minute, et comme la vitesse d’obturation n’a pas d’importance (en dessous d’un certain seuil – les obturateurs peuvent être «trop rapides» pour les stroboscopes et cela sera discuté plus tard), l’ouverture peut être ajustée pour contrôler le «look» du produit de concert avec le déplacement des lumières autour de l’objet (proche ou éloigné). Cela changera l’intensité et contrôlera l’atténuation et la façon dont les ombres sont dessinées. et comme la vitesse d’obturation n’a pas d’importance (en dessous d’un certain seuil – les obturateurs peuvent être «trop rapides» pour les stroboscopes et cela sera discuté plus tard), l’ouverture peut être ajustée pour contrôler le «look» du produit de concert avec le déplacement du lumières autour de l’objet (proches ou éloignés). Cela changera l’intensité et contrôlera l’atténuation et la façon dont les ombres sont dessinées. et comme la vitesse d’obturation n’a pas d’importance (en dessous d’un certain seuil – les obturateurs peuvent être «trop rapides» pour les stroboscopes et cela sera discuté plus tard), l’ouverture peut être ajustée pour contrôler le «look» du produit de concert avec le déplacement du lumières autour de l’objet (proches ou éloignés). Cela changera l’intensité et contrôlera l’atténuation et la façon dont les ombres sont dessinées.

Ici, l’éclairage continu est utilisé à la fois comme source de lumière et comme accessoire créatif. Un style discret et une ISO plus élevée ont permis l’utilisation de ces lumières de glace de faible puissance . Image reproduite avec l’aimable autorisation d’  Alexandria Huff .

L’un des attraits des lumières continues est que ce que vous voyez est ce que vous obtenez – lorsque vous mesurez au milieu avec votre appareil photo, votre photo doit se rapprocher étroitement de ce que vous voyez avec vos yeux en fonction de la façon dont vous avez réglé le «volume» de l’éclairage (si ils ont un gradateur). Des ajustements peuvent ensuite être apportés à la vitesse d’obturation ou à l’ISO pour modifier l’exposition / l’aspect du produit éclairé, car il n’y a pas beaucoup de flexibilité dans la quantité de lumière provenant de la plupart des lumières continues. Le résultat «voir ce que vous obtenez» de la prise de vue à la lumière continue est contraire au flux de travail avec les stroboscopes, où l’intensité lumineuse de chaque stroboscope connecté varie souvent lorsque vous augmentez ou diminuez la puissance des touches par rapport aux stroboscopes de remplissage, en plus de faire modifie les paramètres de l’appareil photo, tels que l’ouverture, pour contrôler l’exposition. Les modifications dans ces zones lors de l’utilisation de l’éclairage stroboscopique auront des impacts drastiques sur l’image résultante – vous ne savez donc peut-être pas ce que vous obtiendrez jusqu’à ce que vous preniez la photo, la revoyiez et effectuiez des réglages. Le résultat des photos prises avec des lumières continues comprend une température de couleur variable, ce qui est d’une importance cruciale dans la photographie de produits. Les stroboscopes sont beaucoup plus faciles à équilibrer des couleurs car ils sont généralement expédiés de l’usine avec une température de couleur presque parfaite de 5500 ° Kelvin. Les lumières continues ont des températures de couleur notoirement variables et font des accessoires tels qu’un Les stroboscopes sont beaucoup plus faciles à équilibrer des couleurs car ils sont généralement expédiés de l’usine avec une température de couleur presque parfaite de 5500 ° Kelvin. Les lumières continues ont des températures de couleur notoirement variables et font des accessoires tels qu’un Les stroboscopes sont beaucoup plus faciles à équilibrer des couleurs car ils sont généralement expédiés de l’usine avec une température de couleur presque parfaite de 5500 ° Kelvin. Les lumières continues ont des températures de couleur notoirement variables et font des accessoires tels qu’un Critique de la carte X-Rite ColorChecker .

Stroboscopes et synchronisation

Contrairement aux lumières continues, qui sont soit «allumées» soit «éteintes», les stroboscopes nécessitent un moyen de se synchroniser à la fois avec l’obturateur de l’appareil photo et entre eux. Par exemple, on pourrait utiliser un émetteur sur la griffe de l’appareil photo avec un récepteur connecté à la lumière principale pour déclencher le stroboscope chaque fois que vous appuyez sur l’obturateur. Si vous utilisez plusieurs têtes stroboscopiques, vous deviez soit y connecter plus de récepteurs, soit utiliser une ligne de lumière optique en allumant la «cellule oculaire» de chaque tête stroboscopique afin que les lumières «esclaves» se déclenchent chaque fois que l’émetteur- feux de lumière «maîtres» connectés – c’est donc beaucoup plus à penser! Cependant, cela en vaut la peine pour la puissance (qui vous permet d’arrêter votre ouverture pour une profondeur de champ plus profonde), la possibilité de figer l’action et pour la précision accrue des couleurs.

Lorsque vous utilisez des flashs, les vitesses d’obturation ne peuvent pas dépasser la vitesse de synchronisation de l’obturateur la plus rapide de votre appareil photo, qui est la limitation mécanique de l’ouverture et de la fermeture du rideau d’obturation et est généralement d’environ 1 / 200e de seconde (c’est le cas de mon appareil photo principal, le Canon 5D Mark IV). Le mécanisme d’obturation fonctionne comme un ensemble de rideaux qui s’ouvrent pour laisser la lumière se transmettre à votre capteur. Le premier rideau s’ouvre pour démarrer l’exposition, puis le second se ferme pour terminer l’exposition. En dessous d’une certaine vitesse – généralement 1 / 200e de seconde – le premier rideau a fini de traverser le capteur (il s’est complètement «ouvert») au moment où le dernier rideau a commencé (pour commencer la «fermeture»). Mais au-dessus de cette vitesse de synchronisation, un rideau essaie toujours de s’ouvrir complètement tandis que l’autre commence déjà à se fermer, bloquant partiellement le capteur. La lumière stroboscopique – qui n’intervient que dans les rafales les plus rapides – ne peut pas atteindre l’ensemble du capteur si une partie de celui-ci est recouverte par un rideau. Le résultat est une bande noire disgracieuse sur une partie de votre image.

Cette limitation n’est pas en jeu lors de l’utilisation de lumières continues; vous pouvez utiliser la vitesse d’obturation de votre choix. L’éclairage continu agit comme un éclairage ambiant et ne se produit pas en «rafales» – la lumière qui en découle se déverse continuellement dans le capteur pendant tout le processus d’ouverture / fermeture du volet. C’est pourquoi vous ne verrez pas de bandes noires sur vos images à obturation rapide lorsque vous utilisez un éclairage continu.

Mais ce n’est pas un vote contre les flashs. La profondeur de champ peut également être un problème avec les lumières continues. Puisque le volume de lumière est inférieur à celui des stroboscopes, vous devrez ouvrir l’ouverture pour obtenir l’exposition correcte. Cela peut déjouer votre intention de montrer toutes les parties d’un objet long ou compliqué au point (celui où vous voulez une profondeur de champ profonde). Vous pouvez être obligé d’augmenter votre ISO à des niveaux inacceptables si vous devez photographier à une ouverture moyenne, telle que f / 8 ou plus, pour obtenir une mise au point critique.

La plus grande source de lumière de tous mérite d’être mentionnée: la lumière du soleil ou «lumière naturelle» est une excellente source de lumière pour les produits, surtout si l’on veut les montrer dans un habitat naturel. Un exemple est cette image d’une tasse à café de marque personnalisée que j’ai prise lors d’un travail commercial pour mon café préféré à Truckee, CoffeeBar.

Prise en lumière naturelle avec un objectif 50 mm à 1 / 30e de seconde, f / 4,5 et 640 ISO. Sans flash, vous aurez plus de chances de prendre des photos à des ISO plus élevés, à des ouvertures plus larges ou à des vitesses d’obturation plus lentes. Gardez cela à l’esprit lors de la planification de vos tournages!

Qualité et quantité de lumière et d’ombre

Si l’éclairage est essentiel dans la photographie de produits, quelles propriétés de la lumière (continue ou stroboscopique) sont les plus importantes pour obtenir des photos de produits réussies? Et une fois que vous décidez quel «look» vous voulez, comment allez-vous y parvenir?

La «dureté» ou la «douceur» de la lumière est d’une importance capitale. Une lumière directe non diffuse projette des ombres dures sur un objet, ce qui peut être souhaitable ou non selon ce que veut le photographe.

Une illustration du résultat de l’éclairage direct vs diffus sur les pommes.

Le fait de rapprocher ou d’éloigner les lumières d’un objet modifiera la douceur de la lumière, ainsi que son intensité. Un équilibrage soigneux de la position et de la luminosité de la touche par rapport au remplissage ou au rétroéclairage aura également un impact sur les images.

La diffusion de la lumière avec des modificateurs de lumière peut également aider à obtenir un certain look. Les boîtes à lumière, les parapluies et les réflecteurs sont souvent utilisés pour façonner les sources de lumière, ce qui affecte à son tour l’apparence des produits. L’ajout de grilles devant les lumières aide à façonner et à focaliser le faisceau, ce qui peut contribuer à placer des points chauds sur la partie souhaitée d’un objet.

Les kits de réflecteurs sont également d’excellentes aides pour vraiment composer la lumière d’appoint nécessaire; un réflecteur de panneau de noyau de mousse est commun et disponible à bon marché. Faire rebondir un peu de lumière d’un noyau en mousse blanche dans une zone d’ombre peut donner vie à une image terne et, inversement, peut aspirer un peu de lumière d’une zone de surbrillance ou d’une réflexion avec un noyau en mousse noire (drapeau).

La qualité de la lumière – la façon dont les reflets et les ombres jouent sur un produit et la façon dont la lumière tombe sur un objet – est cruciale pour l’apparence de cet objet et son attrait pour les acheteurs. Réfléchissez bien aux caractéristiques les plus importantes de votre produit – comment pouvez-vous attirer l’attention sur celles-ci avec l’éclairage? La lumière à des angles plus raides aura tendance à montrer la texture plus que l’éclairage diffus.

Comment prévoyez-vous où placer les lumières et les aides à la diffusion par rapport à votre caméra et à vos produits? J’utilise souvent le fantastique créateur de schémas d’ éclairage en ligne de Quoc-Huy Nguyen Dinh.

Recommandations d’équipement pour la photographie de produits

Un appareil photo approprié peut faire ou défaire une prise de vue en photographie de studio. Un bon reflex numérique plein cadre moderne, tel que le Canon 5D Mark IV , le Nikon D810 ou le Sony a7RII offrira une flexibilité maximale avec la taille de fichier pour tout recadrage nécessaire tout en créant des fichiers suffisamment volumineux pour fournir des images prêtes à l’impression. Pour les objectifs, assurez-vous de couvrir la plage d’au moins ~ 24 mm à ~ 200 mm. Je fais l’essentiel de mes prises de vue avec le Canon 24-70mm f / 2.8L ou le 70-200mm f / 2.8L . Les grands angles ne sont pas utiles pour le travail sur les produits en studio – ils introduisent une distorsion et ne permettent pas de zoomer pour éliminer les éléments indésirables tels que les pieds légers et les toiles de fond. Un objectif macro, comme le Canon 100mm f / 2.8L, est idéal pour les photos détaillées de zones spécifiques de votre produit, telles qu’un logo ou une étiquette.

Au-delà de votre appareil photo et de vos stroboscopes, des accessoires tels que des télécommandes radio (par exemple des assistants de poche) peuvent synchroniser rapidement et facilement tous vos stroboscopes avec l’obturateur de votre appareil photo, permettant l’utilisation de touches et de lumières d’appoint pour façonner la lumière et les ombres sur vos produits. Il existe de nombreux forfaits de location abordables pour apprendre les bases et même pour réaliser la plupart des scénarios d’éclairage photo de produit. Par exemple:

Kit de base à 2 lumières 1000 W pour débutant (clé + remplissage uniquement)

Kit Monolight Profoto 500W / s D1 Air Studio (clé + remplissage uniquement)

Les kits d’éclairage à LED modernes, en particulier lorsqu’ils sont combinés avec des «tentes lumineuses» de table, fournissent un moyen facile d’adoucir (diffuser) la lumière et de l’enrouler autour d’un objet pour offrir un éclairage chaleureux, doux et invitant. Si vos produits sont petits, Amazon propose des poches de tente légères abordables sur le dessus de table qui facilitent la prise de vue sur fond blanc. Cependant, il sera difficile de contrôler l’éclairage avec de tels kits et il sera également difficile d’obtenir une balance des blancs appropriée pour rendre vos produits réalistes par rapport aux résultats lorsque vous utilisez une table ou un sol sans soudure avec un éclairage de studio dédié.

Meilleures pratiques de photographie de produits

Si vous êtes nouveau dans ce style de photographie, passez un peu de temps à parcourir les catalogues et les sources en ligne de produits similaires à ceux que vous prévoyez de photographier. Il peut être très utile de déconstruire l’éclairage de vos échantillons pour vous aider à planifier votre propre prise de vue. Les formes d’ombre / surbrillance indiqueront où le photographe a placé ces lumières et la forme et la forme de la lumière offriront des indices sur la proximité ou la distance des lumières et si et comment elles ont été diffusées. Un œil attentif peut même être en mesure de dire si une photo a été créée avec des lumières chaudes / continues ou des stroboscopes.

Déconstruction rapide d’une des photos de produits d’ Alexandria Huff . C’est un bon exercice pour essayer de trouver comment imiter des photographies de produits qui sont dans le style que vous souhaitez obtenir.

Lorsque vient le temps de choisir, choisissez-en un en fonction duquel vous pensez qu’il fournira les meilleures photos de votre produit. Lorsque vous configurez votre propre scène d’éclairage de produit, gardez à l’esprit le résultat final souhaité – en particulier si vous devez fournir une découpe sur blanc, car cela dictera la configuration de l’arrière-plan de votre studio. Expérimentez le placement de la lumière, les reflets, les cartes de remplissage, la diffusion et l’ajout / la soustraction de lumières pour voir comment les changements affectent vos photos. N’ayez pas peur de modifier les paramètres de l’appareil photo, mais gardez à l’esprit les principes de base de la photographie, tels que la profondeur de champ. Photographiez, révisez, ajustez et prenez à nouveau la photo. N’oubliez pas que même si vous pouvez souvent «le réparer en post», il est préférable de prendre le temps d’apprendre et d’appliquer comment obtenir un certain look, comme une réflexion sur un sol mouillé, à huis clos en studio.

Il y aura toujours des arguments sur la «qualité» des lumières continues par rapport aux lumières stroboscopiques. Les stroboscopes ont une courbe d’apprentissage abrupte et peuvent avoir un coût d’entrée prohibitif. L’exposition à la lumière continue est facile à régler mais pas si facile à composer et peut être difficile à faire correspondre. Les deux sont parfaits pour différents scénarios et le photographe averti saura quand utiliser l’un ou l’autre pour obtenir le résultat souhaité.

Avec de la pratique, on peut développer un œil vif pour façonner la lumière et les ombres et construire un ensemble de compétences profondes et polyvalentes pour créer tout type d’éclairage. Les produits de prise de vue sont une forme de photographie de studio stimulante et passionnante. Mais même un nouveau venu peut obtenir d’excellents résultats après une étude approfondie et une prise en compte des principes de base de l’éclairage de photographie de produits. Transformer les spectateurs en acheteurs est la récompense ultime.

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